История рамы уходит в глубокую древность.
Первоначально она несла исключительно утилитарную функцию - это был способ крепления - оправа, каких-то предметов.
Но по мере развития живописи и ее превращения из декоративной росписи жилища в самостоятельное мобильное произведение, потребовалось каким-то образом декорировать кромки.
К этому времени уже имелся богатый опыт украшения религиозных изображений, которые постоянно подвергались транспортировкам (вынос праздничных икон, крестный ход, и т.д.). Да и картины также первоначально опирались на библейские сюжеты.
Помимо этого живопись была доступна лишь исключительно высшему сословию, и она предназначалась для размещения в богатом убранстве обильно декорированных дворцов знати. Поэтому форма и рисунок живописной рамы стали копировать элементы интерьера, создавая иллюзию окна в живописное пространство. Не думаю, что владельцев художественных произведений 16-19 веков сильно волновало достоинство живописи, поэтому их мало заботило, как рама гармонирует с картиной. Намного важнее было, как «богато» это выглядит в интерьере. Поэтому мы сегодня отличаем мебель, интерьер, рамы по стилям (ренессанс, ампир, модерн...) но сама живопись к этим стилям имеет мало отношения.
Вполне резонно предположить, что по мере существования картины, и смене окружающего ее интерьера (вернее моды) заменялась и рама и опять же она делалась не под конкретную картину, а под новый интерьер.
Именно поэтому такую большую редкость представляют оригинальные рамы 17, 16 веков. Не говоря о более старых, в то время, как самих живописных произведений этого периода достаточно.
Все коренным образом переменилось в 19 веке, когда с одной стороны, появилось много художников готовых работать не только по заказам высшей аристократии, но и для среднего сословия, а среднее сословие стало достаточно развито, чтобы эти произведения покупать... В результате ...
В дальнейшем архитектурные стили сменяли друг друга с калейдоскопической быстротой.
Но живопись оставалась. Темнели защищающие ее лаки, картина покрывалась кракелюром. Одни лишь рамы сияли металлическим золотом.
Но наступил 20 век-век антагонистов и нигилистов...
Художники бунтари, разрушив саму классическую живопись, в первую очередь отказались от классического подхода к раме, как элементу интерьера. Теперь художники начали претендовать не только на живописное поле холста, но и на территорию, его окружающую.
Таким образом, появился Арт-Фрейм, где композиция картины неразрывно связана с элементами обрамления. Помимо этого, сама живопись кардинальным образом изменилась, ибо она потеряла функцию копирования реальности, а превратилась в средство самореализации художника.
Картина перестала являться окном в такой же трехмерный иллюзорный мир. А превратилась в двухмерное пространство, выпирающее из плоскости...
Естественно, классические корытообразные рамы, подчеркивающие перспективу изображения для таких объектов непригодны.
В результате на сегодняшний день мы имеем сторонников совершенно противоположных точек зрения на правильное оформление живописных произведений в рамы.
Я не буду спорить ни с одной из них, а сразу приму, что все они правы, для своих частных случаев.
Я же просто для себя сформулировал несколько вариантов оформления, которые использую в практике работы багетной мастерской.
Музейный (антикварный) вариант.
На картине должна быть оригинальная рама, которая была на ней в момент написания художником. Как вариант-рама того же времени, из того же региона. Допускается использование «реплик» - современной копии.
Точное следование этому принципу подразумевает хорошее знание истории искусств. Необходимо разбираться не только в стилях, но и в орнаменталистике, чтобы подобрать из ныне существующих реплик максимально тождественную необходимому историческому периоду.
Дизайнерский вариант.
Рама-элемент интерьера, и она должна ему соответствовать.
Более чем уместный в публичных и рабочих интерьерах, в жилых вызывает большие сомнения.
Годится исключительно для малоценных вещей, срок жизни которых от ремонта до ремонта... Сегодня мода и стили интерьера меняются так часто, причем настолько кардинально, что это самый неэкономичный подход.
Консервационный вариант.
Более применим к живописи и другим предметам, как к нейтральным объектам, предназначенным для экспонирования и сохранения. Часто имитирует витрину с коллекцией экспонатов.
Художественный вариант.
Картина-произведение искусства, жизнь которого не замыкается в рамках конкретного интерьера в конкретное время. Картина в интерьере - это акцент, самостоятельная доминанта. Поэтому рама для картины должна подчеркивать достоинства живописи и по возможности смягчать агрессивность новомодных дизайнерских изысков типа «Хай тек».
Выставочный вариант.
Оформление не должно быть видно, дабы не помещать чистому восприятию живописных достоинств картины.
Это вариант временного оформления для публичной демонстрации. Как только работа находит своего покупателя - обрамление заменяется.
«Арт – Фрейм»
В чистом виде, «Арт-фрейм», это рама сделанная или самим художником или при непосредственном его участии.
На самом деле, как уже говорилось раньше - это всего лишь обрамление, композиционно участвующее в непосредственно живописном произведении.
Оно может соответствовать общей колористики картины, нести элементы декора или повторять некоторые фрагменты изображения.
Как правило, «Арт-фрейм» и картина- это неразрывно целостные вещи, и в дальнейшем заменять эту раму, это все равно, что вырезать середину холста из картины и его экспонировать. «Арт-фрейм» может выполняться и дизайнером-багетчиком.
В этом случае может серьезно изменяться восприятие и смысл обрамляемой вещи.
Соавторский подход.
По большому счету это вариант «Арт-фрейма», только без участия автора. Исполнителем здесь выступает дизайнер - обрамитель (багетчик). Как правило, это допустимо при небольшой художественной ценности оформляемых работ. Единственное правило- обрамление ни в коем случае не должно принижать ценность оформляемой вещи и ее затенять. Подобный подход позволяет подать оформляемую вещь очень эффектно, превратить ее в ценное произведение, что, несомненно, скажется на дальнейшей ее жизни.
Очень часто художник в творческом поиске допускает некоторые живописные ошибки.
Через такое оформление их можно «заретушировать», а иногда и спасти даже совершенно «убитую» вещь.
Между этими подходами не существует четких границ. Главное мастерство багетчика заключается в умении их использовать и предлагать необходимое решение заказчику. Надо лишь объяснить, что каждый обрамляемый объект, в зависимости от выбранного варианта оформления меняет свои привычные элементы восприятия.
А сам творческий подход к каждой обрамляемой вещи поднимает ремесло багетного мастера на уровень Искусства Обрамления.
Айвар Пожарский.
Санкт-Петербург.
Апрель, 2007 год
